Ars sonora

de Radio Clásica

Los contenidos del programa están abiertos al Arte Sonoro, en las vertientes de poesía sonora, instalaciones sonoras, performances y radio arte, así como a la Música Electroacústica.En dichos campos se atiende a la actualidad española e internacional, lo que supone realizar programas monográficos dedicados a autores, a temas, a novedades discográficas, a nuevas producciones o a exposiciones, convocatorias, festivales y muestras sobre el arte sonoro y la electroacústica. Permanentemente se buscan nuevos tipos de elaboración y presentación de la emisión, con objeto de estimular la curiosidad y el interés de la audiencia.

Episodios

Ars sonora - Olga Neuwirth / Elfriede Jelinek (II): "Der Tod und das Mädchen II" - 06/11/21

por Radio Clásica

Concluimos nuestro doble monográfico dedicado a la fértil relación creativa entre dos artistas procedentes de Austria: la compositora Olga Neuwirth, nacida en Graz en 1968, y la escritora Elfriede Jelinek, nacida en Estiria, en el sureste del país, el 20 de octubre de 1946 -acaba de cumplir, por tanto 75 años-.

En este segundo programa centramos nuestra atención en "Der Tod und das Mädchen II" (“La muerte y la doncella II”), una obra compuesta en el año 2000 como música electroacústica inicialmente concebida para la danza, pero que en disco adopta la forma específica de una pieza radiofónica ("Hörspiel", en idioma alemán). El punto de partida es un texto de Jelinek inspirado en el cuento de "La bella durmiente", pero teñido de sátira, así como de exploraciones psicoanalíticas basadas en la idea de sueño -se combinan aquí, pues, elementos genuinamente austriacos-. Recaban un papel protagonista, dentro de estos ambientes fantasmagóricos, las conocidas actrices Hanna Schygulla y Anne Bennent, así como las manipulaciones electrónicas de sus voces realizadas por Gottfried Hüngsberg (pareja de la escritora Elfriede Jelinek).

Tal y como escribe Ana Giménez, profesora de la Universidad de Valencia, en su análisis de la obra de esta autora galardonada con el Premio Nobel de Literatura en 2004, "Jelinek recupera el final del cuento, en el que la princesa abandona el estadio de tránsito entre la vida y la muerte de forma mágica, gracias al beso de su salvador. Lo que es asumido con total naturalidad en el mágico cuento de hadas es, sin embargo, motivo de sorpresa para la princesa de Jelinek, que recupera la voz que no tuvo en los cuentos populares para preguntarse por su existencia, antes, durante y después del sueño. La Bella Durmiente también quiere ser, vivir una vida no marcada por el sueño al que le condena su historia: 'Me gustaría experimentar algo, pero estoy paralizada por la capacidad de despertarme'. Sin embargo, tal y como constata, su vida está marcada por ese estado de semiinconsciencia, así como por el beso del príncipe, que es el que le devuelve a la vida. Para el personaje femenino, los límites entre el sueño y la vida quedan realmente difusos. Por ello, la protagonista define su existencia como sueño; su existencia no es vida, es un no ser, como mucho, 'el tiempo muerto del ser'. La muerte ha sido durante largo tiempo 'la constante de su existencia', desde la que poder trabajar 'la posibilidad de SER'. Sin embargo, prosigue lamentándose, ella tampoco ha tenido una muerte como el resto, pues no se le ha permitido diluirse 'en la muerte hasta convertirse en nada'. Además de recuperar el motivo de la mujer como bello cadáver, que, también en el cuento popular de 'La bella durmiente', ensalza la belleza y la pasividad absoluta como ideales femeninos, Jelinek problematiza la representación de la mujer como creación del hombre".

Ars Sonora - Olga Neuwirth / Elfriede Jelinek (I): Lost Highway - 30/10/21

por Radio Clásica

Iniciamos aquí un doble monográfico dedicado a la fértil relación creativa entre dos artistas procedentes de Austria: la compositora Olga Neuwirth, nacida en Graz en 1968, y la escritora Elfriede Jelinek, nacida en Estiria, en el sureste del país, el 20 de octubre de 1946 —acaba de cumplir, por tanto 75 años—.

En este primer programa centramos nuestra atención en la ópera "Lost Highway", estrenada en 2003 y basada en la película homónima de David Lynch. Un trabajo sobre el cual Neuwirth escribió lo siguiente:

“Lo que primero me fascinó de ‘Lost Highway’, además del hecho de afectarme directamente, es que Lynch y Gifford [autores del guión] dejaban resueltamente de lado la idea de relato en beneficio de una trama en evolución. La imposibilidad de escapar a una situación y esos bucles temporales despiadados hasta el delirio implicaban, una vez embarcada en el proyecto, el mayor desafío en el plano compositivo. Se trataba de desmontar ese ‘voyeurismo’ que recorre y cubre todo. Esa otra mirada que no remite a otra cosa pero que constituye un medio de expresión puramente estético me obligaba a reflexionar sobre el sentido que ello podría tener musicalmente, al tratarse de una mirada dirigida a algo que no puede nombrarse. Contrariamente a lo que me sucede en el ámbito vital, esta idea me resulta musicalmente muy cercana. Además, los diferentes registros vocales, los distintos ‘colores sonoros del lenguaje hablado’, que van del murmullo a la carcajada, me parecieron enseguida adaptables al drama musical tal como lo concibo: ni comienzo ni desarrollo ni desenlace, sino innumerables espacios interiores y exteriores (tanto en el plano arquitectónico como psicológico); ¿qué es aquí real y qué fantasmagoría? Lo cotidiano y lo místico se codean; gritos y lamentos, risa y desesperación, todas las formas de expresión humana coexisten”.

Ars sonora - Lucía Chamorro en "Los Tientos" (Universidad de Granada) - 23/10/21

por Radio Clásica

Dialogamos, en esta edición de Ars Sonora, con Lucía Chamorro, artista sonora que se licenció en Composición en la Escuela Universitaria de Música de la Udelar (Universidad de la República), principal institución académica de su país natal, Uruguay. Allí ha trabajado como docente e investigadora, y ha formado parte del eMe (Estudio de Música Electroacústica). En España, país donde reside desde hace unos años, ha cursado el Máster en Artes de la Escuela Sur del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En las últimas semanas, Lucía Chamorro ha disfrutado de una residencia artística en la ciudad de Granada, dentro de la primera edición del proyecto "Los Tientos", un programa de formación y creación artística que toma el flamenco como eje motor y articulador, reuniendo a creadores de distintos ámbitos y procedencias para participar de la construcción de un espacio de experimentación, indagación y "tentación" transdisciplinar. El programa "Los Tientos" ha sido ideado e impulsado por la Universidad de Granada, a través de La Madraza (gracias a la profunda implicación y el compromiso de sus responsables Pedro Ordóñez y Antonio Colinas, también docentes e investigadores de la UGR), el Centro de Cultura Contemporánea del Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio, con la colaboración de la Residencia Universitaria "Corrala de Santiago", así como del Centro Federico García Lorca, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la Fundación Archivo Manuel de Falla.

Gracias a los organizadores de "Los Tientos" hemos podido conversar con Lucía Chamorro en el centro cultural Casa de Porras, vinculado a la Universidad de Granada y ubicado en pleno Albaicín, donde la artista nos relata la evolución de su carrera mientras escuchamos una selección de sus obras, incluyendo "Teletransportación 1" (que explora diferentes posibilidades sonoras del cuarteto de saxofones mediante el uso de multifónicos y otras técnicas extendidas, y que presentamos en la versión del Fukio ensemble, con Joaquín Sáez Belmonte, Xavier Larsson Paez, José Manuel Bañuls Marcos y Xabier Casal Ares), "Mito" (un trabajo que puede incardinarse en el ámbito de la composición electroacústica, pero que también incorpora elementos claramente ruidistas), o su "Paisaje sonoro de la Laguna de Rocha" (resultado de un proyecto de investigación realizado en colaboración con Lucía Campugiani en 2013, basado en la relación entre los habitantes y los sonidos de su entorno).

También abordamos en nuestro diálogo las "Partituras abiertas" de Lucía Chamorro (con las que la compositora investiga nuevas posibilidades creativas a través de partituras no tradicionales, que incorporan videopartituras, instrucciones textuales e imágenes), y concluimos presentando algunos extractos del disco "Luna anfibia", editado por el sello "pan y rosas discos", y creado a partir de grabaciones de entornos sonoros y de improvisaciones libres registradas y procesadas por nuestra invitada.

Completamos así una primera aproximación a diferentes líneas de trabajo cultivadas por esta artista uruguaya, mientras quedamos a la espera de conocer los resultados de su residencia artística en Granada dentro del programa "Los Tientos", a cuyos organizadores reiteramos nuestro agradecimiento por su invitación, y por la ayuda para la realización de este programa de Ars Sonora.

Ars Sonora - In memoriam Luis de Pablo - 16/10/21

por Radio Clásica

El 10 de octubre de 2021 fallecía Luis de Pablo, una de las figuras fundamentales en el panorama de la creación musical española de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Bilbao en 1930, De Pablo atravesó algunos de los más importantes capítulos iniciales de la evolución de la música electroacústica en nuestro país, y de hecho protagonizó la creación en Madrid del primer laboratorio de música electrónica estable, Alea. Por otro lado, y ya en 1972, Luis de Pablo dirigió -junto con José Luis Alexanco, quien también nos abandonó hace sólo unos meses- los Encuentros de Pamplona en 1972, un evento de la máxima importancia para el desarrollo de las prácticas artísticas experimentales -incluyendo, desde luego, la música- en España, que supuso el inicio (mucho más que el final) de una serie de líneas de trabajo cuya relevancia en el contexto de la cultura contemporánea no ha dejado de crecer desde entonces.

Pero el discurrir vital y artístico del compositor le fue alejando progresivamente de los ámbitos creativos relacionados con los dos grandes hitos que se acaban de mencionar (como, en un sentido similar, también se apartó de su labor -muy importante- como compositor de bandas sonoras cinematográficas -junto a directores tan relevantes como Víctor Erice, Carlos Saura o Javier Aguirre, entre otros).

En esta edición de Ars Sonora, que se plantea como un homenaje a Luis de Pablo, recorremos algunos de esos episodios -más oscurecidos que otros en la muy intensa biografía del autor-, basándonos para ello en las conversaciones compartidas con este destacado músico e intelectual que se recogieron en el libro "Luis de Pablo: inventario", publicado en 2020 por la editorial Casus Belli. Esos diálogos, que tuvieron lugar a lo largo de múltiples sesiones en el propio domicilio del compositor, también fueron documentadas en formato audiovisual por el joven cineasta Álvaro Oliveros del Castillo, autor de la película "Solo Luis de Pablo", que se estrenará en los próximos meses -con motivo del cincuenta aniversario de los mencionados Encuentros de Pamplona-.

Presentamos en primicia algunos fragmentos sonoros de esas grabaciones -lo que nos permite rememorar la voz de Luis de Pablo, siempre precisa y a menudo teñida de un agudo sentido del humor-, que jalonan la audición de diferentes versiones de su obra electroacústica "We", inicialmente realizada entre 1969 y 1970, pero reformulada en 1984. Quizá ese "nosotros" al que alude el título de ese memorable trabajo pueda aplicarse, ahora, a todos los que ya echamos de menos esas conversaciones, siempre estimulantes, con el más destacado intelectual de entre los compositores españoles de su generación, y acaso también de las siguientes.

Ars Sonora - Después de Murray Schafer (1933-2021) - 09/10/21

por Radio Clásica

El pasado 14 de agosto de 2021 desaparecía una figura fundamental para el desarrollo internacional de muchas de las prácticas artísticas hoy relacionadas con el arte sonoro y las músicas experimentales: Raymond Murray Schafer, nacido en Ontario (Canadá) en 1933.

Este programa quiere ser un homenaje a la trayectoria de este compositor, ensayista, pedagogo y ambientalista, reconocido por haber desarrollado la noción de “soundscape” (expresión que en nuestro idioma ha sido generalmente traducida como “paisaje sonoro”). A esta categoría estética se adscriben los trabajos que hoy presentamos (como “The Vancouver Soundscape” de 1973, del propio Schafer), dando inicio a una serie titulada “Después de Murray Schafer” que, de manera discontinua, nos seguirá acompañando a lo largo de la presente temporada de Ars Sonora.

Además de “paisaje sonoro”, Schafer acuñó y popularizó otras expresiones, como “marca sonora”, “ecología acústica”, “esquizofonía”, “sonido tónico” o “señal sonora”, entre muchas otras, sobre las que reflexionamos en esta emisión, recordando las propias definiciones schaferianas incluidas en el apéndice de su fundamental libro “El paisaje sonoro y la afinación del mundo” (publicado en España por la editorial Intermedio, en traducción de Vanesa Cazorla).

En la segunda parte de la emisión, y comenzando nuestro repaso de algunas composiciones e investigaciones llevadas a cabo por herederos —más o menos ortodoxos— de las enseñanzas de Schafer, presentamos varios extractos de “Secuencias sonoras del Guadarrama”, un trabajo conjunto de Cristina Palmese y José Luis Carles, quienes figuran de manera destacada —también debido a su importante labor de difusión, a través del programa “La casa del sonido”, en Radio Clásica— en el contexto vinculado al paisaje sonoro en España.

Ars Sonora - In Memoriam Luis García Núñez, Lugán - 02/10/21

por Radio Clásica

Iniciamos la temporada 2021-2022, decimocuarta de la etapa actual de Ars Sonora, con un homenaje al artista Luis García Núñez, Lugán, que nos dejaba hace sólo unos días. Nacido en Madrid en 1929, ya desde finales de los años sesenta del pasado siglo Lugán comenzó a experimentar con obras que apelaban a los diferentes sentidos: no sólo la vista, sino también el tacto, el olfato y, por supuesto, el oído. En una fecha tan temprana como 1968 se vincula a un grupo de artistas españoles que incorporó el trabajo con ordenadores dentro de su práctica artística, en el contexto del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, donde Lugán formó parte del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas, junto a otros autores como José Luis Alexanco (quien también nos dejó recientemente, pues falleció el pasado 16 de mayo), Tomás García Asensio, Eugenio Sempere, Elena Asins, Abel Martín, Soledad Sevilla, Miguel Barbadillo o José María Yturralde, entre otros.

En nuestro homenaje a Luis García Núñez recordamos las palabras de este artista pionero, tal y como se registraron en una edición temprana de Ars Sonora emitida el 23 de marzo de 1986, esto es, durante la etapa del programa que se inició en 1985 con la dirección de José Iges y Francisco Felipe. Junto a ese testimonio del autor, escuchamos otro —grabado en 2012— en el que Lugán da lectura a un texto escrito por él en 1969, y donde se describen en un tono cercano a la ciencia ficción (en su acepción más "ciberpunk" -otro ámbito en el que se podría considerar a Lugán un verdadero precursor-) sus encuentros con la materialidad física y hasta emocional de los primeros ordenadores.

También escuchamos las voces de otros teóricos, investigadores, comisarios, críticos, galeristas, artistas y, sobre todo, admiradores y amigos de Lugán, que han querido sumarse a este homenaje: el ya citado José Iges, Aramis López, José de la Mano, Montserrat Palacios, Isaac Diego García Fernández, Aitor Merino y Ferrer-Molina. Con todos ellos expresamos nuestra gratitud y nuestro adiós a Luis García Núñez, Lugán.

Ars Sonora - Cristóbal Halffter (2) - 26/06/21

por Radio Clásica

Segundo programa dedicado a Cristóbal Halffter.

Ars sonora - 19/06/21

por Radio Clásica

Ars Sonora - "Conversaciones en Nueva York", de Isaac Diego García Fernández - 12/06/21

por Radio Clásica

Dedicamos esta edición de Ars Sonora a un libro recientemente aparecido, "Conversaciones en Nueva York. Sobre arte sonoro, música experimental e identidad latina". Su autor es el musicólogo y artista sonoro Isaac Diego García Fernández (Madrid, 1978), y ha sido publicado por la editorial EdictOràlia, dirigida por Josep Lluís Galiana, con prólogo del musicólogo Antoni Pizà (Director de la Foundation for Iberian Music de Nueva York).

"Conversaciones en Nueva York" ofrece un panorama de la música experimental contemporánea a través de la perspectiva de cuatro músicos y artistas sonoros de origen español e hispanoamericano que actualmente desempeñan su labor creativa en esa ciudad: Richard Garet, Cecilia López, Jaime Oliver La Rosa y Merche Blasco. A través de la conversación con estos artistas, el autor introduce interesantes temas de reflexión, como la articulación de una posible identidad latina en el contexto de la música experimental estadounidense, el papel de la tecnología y su relación con las dinámicas económicas, la naturaleza interdisciplinar de las actuales prácticas creativas englobadas en la etiqueta de arte sonoro o el concepto del éxito, entre muchas otras.

A lo largo del programa contamos con las intervenciones de Isaac Diego García y Josep Lluís Galiana, que explican tanto la génesis del libro como sus aspectos más relevantes. Igualmente nos acompañan las voces de los cuatro artistas representados en este estudio, que además de aportar diversas reflexiones sobre el libro en sí comentan las obras que sonarán a lo largo del programa. Así, escuchamos en primer lugar extractos de "RED (DB)", de Cecilia López, actuación en vivo realizada en Roulette Intermedium (Brooklyn, Nueva York, 2019), con la participación de la propia autora (instalación, composición y electrónica), Gerald Cleaver (percusión), Brandon López (contrabajo) y Julia Cavagna (movimiento). Seguidamente escuchamos una performance realizada por Richard Garet en Experimental Intermedia (Nueva York) el 19 de marzo de 2021. A continuación, presentamos la obra "Reconfigurations I. Conversations with Anette", de Merche Blasco, estrenada en Abrons Arts Center (Nueva York) en 2019, con las interpretaciones de Shelley Hirsch, Dennis Sullivan, Levy Lorenzo, Dafna Naphtali y la propia Blasco. Finalmente ofrecemos un fragmento de "NaN – Not a Number" (2018), de Jaime Oliver La Rosa, pieza estrenada en la American Society de Nueva York. Los intérpretes fueron en esta ocasión Sebastian Zubieta (director), Suzanne Farrin (ondas Martenot), Nuiko Wadden (arpa), Evan Runyon (bajo), Russel Greenberg (percusión) y Jaime Oliver La Rosa (electrónica).

Ars sonora - El archivo invisible - 05/06/21

por Radio Clásica

El archivo invisible.

Ars sonora - 29/05/21

por Radio Clásica

Ars Sonora - Órgano (II) - 22/05/21

por Radio Clásica

Continuamos nuestra exploración de algunas potencialidades de un instrumento musical, el órgano, que simultáneamente podemos describir como uno de los más antiguos pero también como una herramienta sonora radicalmente contemporánea. En conexión con las últimas obras que presentamos en la primera parte de este monográfico -obras firmadas por John Cage (1912-1992)-, iniciamos esta edición de Ars Sonora con la escucha de un trabajo de su amigo (más que discípulo), el neoyorquino Morton Feldman (1926-1987), por supuesto con el órgano como protagonista: "Principal Sound", compuesta en 1980 y estrenada en 1981. Las tensiones entre lo permanente y lo que se interrumpe permiten relacionar esta pieza con las ideas que Feldman expresó en citas como la siguiente: "Nunca he entendido plenamente la necesidad de un público en vivo. Mi música, debido a su extrema quietud, sería más feliz con un público que estuviese muerto". La versión que ofrecemos fue registrada en 1997 y corre a cargo de Olivier Latry (nacido en 1962 en Boulogne-sur-Mer), titular del gran órgano de Notre-Dame y profesor de ese instrumento en el Conservatorio de París, ciudad en la que tuvo lugar esta interpretación.

Si bien la música de Feldman se ha relacionado en ocasiones con cierta comprensión del minimalismo -debido al uso de muy escasos y (en principio) sencillos materiales sonoros-, es más común vincular esos planteamientos estéticos, particularmente en su modalidad repetitiva, con el siguiente autor cuya música escuchamos: Steve Reich (nacido en 1936). "Four Organs", escrita en enero de 1970 para cuatro órganos eléctricos y maracas, se manifiesta aquí en la versión interpretada por Michael Tilson Thomas, Ralph Grierson, Roger Kellaway y el propio Steve Reich como organistas, y Tom Raney en las maracas. También escuchamos "Phase Patterns", compuesta igualmente en 1970 para cuatro órganos eléctricos, y basada en el ritmo conocido como "paradiddle". El juego procesual basado en los desfases de patrones rítmicos -fundamento de la estructura de esta composición, como revela su propio título- fue descubierto por Reich en una obra anterior, de 1965, para cinta magnética, "It's Gonna Rain", de la que también presentamos un fragmento.

Reaparece a continuación un intérprete, compositor e improvisador que ya compareció -y a quien presentamos- en la edición anterior de Ars Sonora, el húngaro Zsigmond Szathmáry (nacido en 1939). Aquí nos ofrece una composición de 1984 firmada por el alemán Michael Vetter (1943-2013), quien también destacó como poeta, novelista, calígrafo, flautista, filósofo, monje zen... "Quint-Essenz (Ein Klangfarblicher Prozeß)" es la sección de la obra "Der Kreis" que escuchamos.

También heterodoxo y múltiple es el perfil del último compositor cuya música presentamos en este segundo programa dedicado al órgano: Shin-ichi Matsushita (1922-1990). Matemático y compositor, escribió -o, más bien, dibujó- en 1973 "Konzentration" (que nos llega, de nuevo, a través de Zsigmond Szathmáry como intérprete). Una pieza en la que, como sucede en las anteriores, el órgano nos impulsa hacia la meditación y, en su caso, hacia una escucha de resonancias espirituales, quizá no tanto en el sentido que estas expresiones suelen alcanzar en el contexto de la cultura occidental, sino más bien entendidas conforme a las coordenadas propias del pensamiento oriental.

Ars Sonora - Órgano (I) - 15/05/21

por Radio Clásica

Exploramos algunas de las potencialidades de un instrumento musical, el órgano, que simultáneamente podemos describir como uno de los más antiguos (pues sus antecedentes, como recordamos en este programa, nos remiten a la Grecia clásica, e incluso al imperio egipcio) pero también como una herramienta sonora radicalmente contemporánea. Centrándonos en esta última dimensión, y examinando algunos parentescos entre el órgano y algunos recursos propios de la música electrónica, escuchamos "Volumina", de György Ligeti (1923-2006). Esta pieza, compuesta entre 1961 y 1962 -aunque fue revisada en 1966-, plantea unas sonoridades (a menudo basadas en "clusters" o acumulaciones de sonidos próximos entre sí en los teclados, a modo de racimos de notas) que pueden recordarnos a los -escasos y breves, por otra parte- trabajos electrónicos del propio compositor, como "Artikulation", de 1958.

Al escudriñar la evolución de la práctica organística durante las últimas décadas se hace igualmente necesario apelar a la figura de otro músico húngaro, Zsigmond Szathmáry, nacido en 1939. Tras estudiar composición con Ferenc Szabó y órgano con Ferenc Gergely en la Academia de Música Franz Liszt de Budapest entre 1958 y 1963, Szathmáry continuó trabajando en Viena con Alois Forer y, a partir de 1964, con Helmut Walcha en la Musikhochschule de Frankfurt. Paralelamente participó, entre 1964 y 1967, en los Cursos de Colonia para la Nueva Música, estudiando composición con Henri Pousseur y Karlheinz Stockhausen, y asistió igualmente a los Cursos de Darmstadt en 1964 y 1965 con el propósito de trabajar, precisamente, con Ligeti. Zsigmond Szathmáry, además de desarrollar su propia labor como compositor, ha mantenido una tradición -muy característica de los organistas, incluyendo aquellos que no cultivan el repertorio contemporáneo- que de nuevo aproxima la práctica de ese instrumento hacia una importante tendencia dentro de las músicas experimentales: la improvisación.

Ajeno -por no decir contrario- a cualquier práctica improvisatoria, John Cage (1912-1990) concibió en 1967 "Music for Carillon No. 5". Fue escrita en un viejo tablero, y su notación sigue la estructura de las vetas de la madera. El resultado del proceso compositivo consiste en diez fotografías de varias piezas de madera contrachapada, cuya estructura determina los parámetros que normalmente se indican mediante la notación convencional. Para continuar indagando en el cuestionamiento de esos sistemas tradicionales de notación -lo cual, en la obra y el pensamiento de Cage, equivale a decir: en las concepciones del tiempo que esos sistemas presuponen o implican- concluimos nuestro programa presentando un fragmento -obviamente- de "Organ²/ASLSP (As SLow aS Possible)", otra composición de John Cage quizás conocida por requerir la interpretación musical de mayor duración jamás realizada. Se escribió en 1987 para órgano, adaptando la obra "ASLSP" de 1985 tras las sugerencias del organista Gerd Zacher. La interpretación actual de la pieza en la iglesia de San Burchardi (en Halberstadt, Alemania) comenzó en 2001 y está programada para tener una duración de 639 años, por lo que debería concluir en el 2640.

Ars sonora - "Aus Trachila", de Thomas Hummel - 08/05/21

por Radio Clásica

Presentamos en Ars Sonora una extensa composición, titulada “Aus Trachila” y firmada por el compositor alemán Thomas Hummel, que nació en 1962 y estudió composición tanto en Colonia como en la ciudad en la que actualmente reside, Friburgo, bajo la tutela de profesores como Johannes Fritsch, Klaus Huber o Mathias Spahlinger, entre otros. Entre 1992 y 1994 Hummel fue compositor invitado en el IRCAM de París, y posteriormente ha trabajado en el Experimentalstudio de la SWR.

En “Aus Trachila” se produce un curioso juego de imitaciones: el artista vocal Christoph Ogiermann emite —o, quizás mejor, profiere— sonidos que intentan asemejarse a los que proceden de los instrumentos; por su parte, la partitura también indica que los músicos de la Holst-Sinfonietta, el ensemble que protagoniza este registro (editado en 2009 por el sello NEOS con el patrocinio de la Fundación BBVA), deben reproducir, en la medida de lo posible, timbres vocales a partir de las posibilidades de sus instrumentos.

Como ha señalado el musicólogo Javier Palacio, “El cambio y la transformación están en la base conceptual de la obra, inspirada por un texto de Ovidio, ‘Tristes’, y por la novela ‘Die Letze Welt’, de Christoph Ransmayr, que a su vez se sirve del fragmento de ‘Las metamorfosis’ en que el autor latino es buscado por su amigo Cotta en una colonia llamada Trachila. Los juegos de espejos textuales, el seguimiento de senderos que se bifurcan y la recreación de atmósferas fluctuantes dan, pues, ocasión a Hummel para configurar una rica gramática sonora donde la sucesión de múltiples figuras y células se integran con flexibilidad en una estructura rigurosa por más que volátil, recorrida por súbitas explosiones de intensidad”.

Ars sonora - Carmen Ojeda - 01/05/21

por Radio Clásica

Carmen Ojeda, a quien dedicamos monográficamente esta edición de Ars Sonora, se define a sí misma como una flautista versátil. Ojeda se mueve con soltura en variadas formas de expresión musical, si bien centra su interés en la investigación de nuevos recursos sonoros en la flauta, la libre improvisación y la creación conjunta con compositores y artistas de nuestro tiempo. El perfil de esta joven artista se asemeja, pues, al de una figura de referencia en el panorama del arte sonoro y las músicas experimentales en España, la estadounidense —asentada en Barcelona desde hace décadas— Barbara Held.

Ojeda, que combina su actividad como compositora con la interpretación, se formó inicialmente en el Conservatorio Superior de Música de Las Palmas de Gran Canaria, y posteriormente obtuvo en el Conservatorio de Ámsterdam el título de Máster en interpretación, centrando su actividad en la música contemporánea. Ha ofrecido conciertos (bien como solista, bien en ensembles y en orquestas) en España, Holanda, Alemania, Inglaterra, Rumanía, Bulgaria, Jordania y los Emiratos Árabes. También ha participado en festivales como DeSuite Muziekweek, Grachten Festival o el Hutspot New Music Festival en Amsterdam, el Holland Festival en Jordania, el Festival Internacional de Música de Baréin, Dis-Play en Las Palmas de Gran Canaria, también en el Festival de Música Visual de Lanzarote y el IMPRO Festival de Improvisación Libre de Canarias en Santa Cruz de Tenerife.

Carmen Ojeda forma parte del Ensemble Aura Sonora, especializado en la interpretación de música antigua compuesta en Canarias y que realiza una destacable labor de recuperación del patrimonio musical de la Catedral de Las Palmas. Igualmente es miembro de Falla Ensemble, dedicado a la interpretación de música de los siglos XX y XXI. En la actualidad es profesora de flauta en el Conservatorio Profesional de Música de Las Palmas de Gran Canaria. En su compromiso con la educación de nuevas músicas desde la infancia, ha impartido talleres para niños de experimentación sonora, música electrónica y “sound painting” en el Conservatorio Profesional de Música de Las Palmas de Gran Canaria, Kids-play, FabricaFest y el Festival de música visual de Lanzarote.

La segunda de las referencias discográficas editadas dentro del proyecto CAAMSonora nos sirve para adentrarnos en la música de Carmen Ojeda. CAAMSonora es una iniciativa surgida desde el CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno, en Las Palmas de Gran Canaria) dirigida por Francisco Rossique, cuya voz tendremos también la oportunidad de escuchar (al igual que la de nuestra protagonista, quien nos presenta cada una de las composiciones que integran su disco “Todo lo que no”). También nos acompañan las palabras de Orlando Britto, director artístico del CAAM, que expresa su firme compromiso de apoyo al arte sonoro y las músicas experimentales a través de este proyecto.

Ars sonora - Hara Alonso - 24/04/21

por Radio Clásica

Dedicamos nuestro programa a la artista sonora y pianista Hara Alonso, cuya poética exploramos principalmente a través de la escucha del primer disco editado dentro del catálogo de CAAMSonora. Esta iniciativa surge desde el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria, y está dirigida por Francisco Rossique, cuya voz escuchamos junto a la de nuestra protagonista, quien presenta para los oyentes de Ars Sonora las diferentes composiciones que integran su proyecto “Islas sonoras”.

Hara Alonso (Astorga, 1990) compagina su labor como concertista con la composición, la pedagogía y las nuevas tecnologías, colaborando en proyectos de danza, videoarte y performance. Dedicada principalmente a la difusión de la música contemporánea, Alonso ha ofrecido conciertos como solista y como integrante de diferentes conjuntos en Alemania, Estonia, Italia, Francia, Suecia, Finlandia y Rusia. Comenzó sus estudios musicales con el profesor Adolfo Muñoz, y posteriormente se trasladó a Salamanca para estudiar el Grado Superior de Piano. Entre 2008 y 2011 fue pianista de la Joven Orquesta Sinfónica de Castilla y León, ofreciendo recitales alrededor de toda la geografía española y europea.

Cursó el “Máster Europeo CoPeCo (Contemporary Performance and Composition)”, lo que le permitió estudiar durante dos años en cuatro ciudades diferentes, un semestre en cada una: Tallin, Estocolmo, Lyon y Hamburgo. Ha participado en diversos festivales en Europa: Biennale de Musique en Scène de Lyon (Francia), S.T.R.E.A.M. festival, en Kampnagel (Alemania), Casa dell Arte, en Ravenna (Italia), LjudOljud (Suecia), Keroxen y NUMACircuit (Tenerife), etc.

Dentro de las actividades pedagógicas de Hara Alonso podemos destacar el proyecto “Los sonidos de la escuela rural. De la escucha activa a la creación colectiva”, surgido de la colaboración entre la Fundación Cerezales Antonino y Cinia y el Colegio Rural Agrupado (CRA) Ribera del Porma, y que también incorporó —además de a Alonso— al compositor Luis Martínez Campo, así como a la Orquesta Juventudes Musicales-Universidad de León. Esta iniciativa contó con el apoyo de la Fundación Daniel & Nina Carasso, a través de la convocatoria “Claves”.

En cuanto a las composiciones que presentamos en esta edición de Ars Sonora, Franciso Rossique —director artístico de CAAMSonora— escribe lo siguiente: “La acción ‘Islas sonoras’ es un viaje sonoro por distintos paisajes acústicos creados por la síntesis de sonidos acústicos y procesos digitales. Zampeando en tiempo real diversos objetos como cactus, piedras, papaya o Clippers de fresa, se construyen las capas sonoras a través de algoritmos de generación autónoma. El resultado es la metamorfosis de esos sonidos cotidianos en organismos sonoros que se autogeneran, se expanden, se transforman y se remezclan en un continuum de texturas y formas sonoras”.

Ars sonora - 17/04/21

por Radio Clásica

El protagonista de este monográfico de Ars Sonora es Dror Feiler, músico, artista y activista nacido en Tel Aviv en 1951. Casado con la artista Gunilla Sköld-Feiler, con quien ha colaborado en diferentes iniciativas, y a quien conoció en Suecia —país en el que ambos residen— cuando llegó desde Israel a mediados de los años setenta, Feiler estudió en diferentes instituciones de la capital escandinava, como Fylkingen, la Facultad de Musicología de la Universidad de Estocolmo y la Academia de Música de Estocolmo (donde tuvo como profesores de composición a Gunnar Bucht, Sven-David Sandström y a Brian Ferneyhough).

Además de su labor compositiva, Feiler también es intérprete de saxofón (por ejemplo, en la banda de jazz Lokomotiv Konkret) y fundador de la orquesta Too Much Too Soon. Es presidente de la organización Judíos por la Paz Israelí-Palestina (JIPF), con sede en Suecia, y miembro de la organización europea Judíos Europeos por una Paz Justa (EJJP). También dirige, junto a Gunilla Sköld-Feiler, el espacio artístico TEGEN 2 en Estocolmo.

La primera obra que presentamos lleva por título “Epexegesis”, está fechada entre 2018 y 2019, y escrita para dos solistas y orquesta. Presentamos aquí la grabación del estreno, que tuvo lugar el 25 de mayo de 2019 en el festival Tectonics de Stavanger, con la orquesta sinfónica de esa ciudad noruega (dirigida por Ilan Volkov —nacido en 1976 en Tel Aviv—), y teniendo como solistas al propio Dror Feiler (en los instrumentos de viento madera y la electrónica) y a Blixa Bargeld (conocido por su trabajo con los grupos Einstürzende Neubauten y Nick Cave and The Bad Seeds, si bien aquí interviene no como intérprete de guitarra, sino como vocalista). Los textos de esta composición están firmados por el poeta Ghayath Almadhoum, nacido en Damasco en 1979 de madre siria y padre palestino.

También escuchamos la composición “Müll” [“Basura”], para orquesta de cámara amplificada, dos cantantes y electrónica en vivo. La obra se inspira en el poema “Los nueve monstruos”, escrito en 1937 por el poeta peruano César Vallejo, y se articula en dos partes —la primera integrada por dos secciones y la segunda por quince fragmentos que se encajan unos dentro de otros—. Feiler se pregunta, respecto de esta pieza: “¿Por qué esas sonoridades hechas con residuos, porqué la música callejera me emociona más que la que se hace en las salas de concierto?”. Al igual que en el caso de la anterior audición, escuchamos el registro del estreno de la obra, que tuvo lugar en el contexto de los Donaueschinger Musiktage del año 2008. El propio compositor fue responsable de la electrónica, y estuvo acompañado por los miembros del Klangforum Wien (dirigido por Rolf Gupta) y las voces de Martin Winkler y Meira Asher.

Ars sonora - Revista "Ólobo" V - 10/04/21

por Radio Clásica

Concluimos nuestra serie de cinco emisiones dedicadas a celebrar la aparición de “Ólobo”, un volumen de excepcional importancia en el ámbito editorial vinculado al arte sonoro y las músicas experimentales. Con el artista, investigador y profesor José Antonio Sarmiento como artífice, esta gruesa publicación compila en formato libro todos los contenidos aparecidos originalmente en la revista digital de arte sonoro del mismo título, que a partir del año 2000 se dedicó a estudiar el trabajo experimental de artistas que trabajan con la voz, el ruido, la acción musical o el radioarte, entre otras muchas posibilidades. Cada programa de esta serie radiofónica glosará los contenidos de uno de los cinco números de la revista reunidos en el libro que presentamos.

Este volumen, ya disponible en librerías, ha sido recientemente publicado por la Universidad de Castilla – La Mancha, concretamente a través de su prestigioso Centro de Creación Experimental, vinculado a la Facultad de Bellas Artes (ubicada en la ciudad de Cuenca) y dirigido por José Antonio Sarmiento, que ha desempeñado allí desde hace décadas una fundamental labor magistral.

El quinto de los números de la revista “Ólobo” no llegó realmente a publicarse, pero una serie de textos sí fueron editados y, en su caso, traducidos, y la nueva publicación en formato físico los recoge por vez primera. Así, en las últimas páginas de este volumen podemos leer los textos “Las pruebas de Hindemith para crear ‘piezas musicales específicas para gramófono’ en el contexto de una historia de las ideas de la música mecánica en el siglo XX”, de Martín Elste; “Música moderna en el disco gramofónico”, de H. H. Stuckenschmidt; “Por el oído, la música busca su séptimo sello”, de Ernesto Giménez Caballero —figura cuya recuperación debemos, en gran medida, a José Antonio Sarmiento— y “John Cage sobre la enseñanza”, de William Fetterman.

En este último programa de la serie aprovechamos para retomar algunos textos pertenecientes a los números anteriores que, por diferentes razones, no obtuvieron suficiente atención en las emisiones previas. Junto a ellos, presentamos una selección de audiciones vinculadas a ellos: “Línea de abandono” y “Parlantes”, ambas de Manuel Rocha Iturbide; “Sinfonía de Sirenas # 5”, del artista conocido como Tres; finalmente, escuchamos la superposición de “Cartridge Music”, “Atlas eclipticalis” y “Winter Music”, todas ellas compuestas por John Cage, e interpretadas por David Behrman y Takehisa Kosugi (electrónica en vivo), Engharad Davies y Lina Lapelyte (violines), Anton Lukoszevieze (violonchelo), Rhodri Davies (arpa), Robyn Schulkowsky y Ram Gabay (percusión), todos ellos con la BBC Scottish Symphony Orchestra dirigida por Ilan Volkov, y John Tilbury, Frank Denyer, Aki Takahashi y Christian Wolff (pianos).

En el inicio de cada uno de los programas de esta serie escuchamos, además, una versión del poema fonético “Karawane”, compuesto por el dadaísta Hugo Ball en 1916 y presentado en el contexto del Cabaret Voltaire. Ese poema incluye una palabra sin significado (o con todos los significados), “ólobo”, que José Antonio Sarmiento escogió para dar nombre a esta revista/libro. En este quinto y último episodio de nuestra serie, la interpretación de “Karawane” que escuchamos al inicio corresponde a Jerome Rothernberg.

Ars sonora - Revista "Ólobo" IV - 03/04/21

por Radio Clásica

Proseguimos en nuestra serie de cinco emisiones dedicadas a celebrar la aparición de “Ólobo”, un volumen de excepcional importancia en el ámbito editorial vinculado al arte sonoro y las músicas experimentales. Con el artista, investigador y profesor José Antonio Sarmiento como artífice, esta gruesa publicación compila en formato libro todos los contenidos aparecidos originalmente en la revista digital de arte sonoro del mismo título, que a partir del año 2000 se dedicó a estudiar el trabajo experimental de artistas que trabajan con la voz, el ruido, la acción musical o el radioarte, entre otras muchas posibilidades. Cada programa de esta serie radiofónica glosará los contenidos de uno de los cinco números de la revista reunidos en el libro que presentamos.

Este volumen, ya disponible en librerías, ha sido recientemente publicado por la Universidad de Castilla – La Mancha, concretamente a través de su prestigioso Centro de Creación Experimental, vinculado a la Facultad de Bellas Artes (ubicada en la ciudad de Cuenca) y dirigido por José Antonio Sarmiento, que ha desempeñado allí desde hace décadas una fundamental labor magistral.

El cuarto de los números de la revista “Ólobo” (aparecido originalmente en el año 2003) contiene los textos titulados: “Ver; oír: Fluxus” y “Nam June Paik, compositor”, ambos de Michael Nyman; una entrevista con Allan Kaprow, de Joan Marter; “La instalación sonora”, de Manuel Rocha Iturbide y “Estética post-cageana y la partitura ‘evento’”, de Liz Kotz.

En esta emisión leemos algunos extractos de esos textos, que escuchamos junto a una serie de audiciones vinculadas a ellos: “Prepared Piano for Merce Cunningham”, “Duett Paik/Takis” y “Hommage à John Cage”, todas ellas compuestas e interpretadas por Nam June Paik.

En el inicio de cada uno de los programas de esta serie escuchamos, además, una versión del poema fonético “Karawane”, compuesto por el dadaísta Hugo Ball en 1916 y presentado en el contexto del Cabaret Voltaire. Ese poema incluye una palabra sin significado (o con todos los significados), “ólobo”, que José Antonio Sarmiento escogió para dar nombre a esta revista/libro. En este cuarto episodio de nuestra serie, la interpretación de “Karawane” que escuchamos al inicio corresponde a Anat Pick.

Ars sonora - Revista "Ólobo" III - 27/03/21

por Radio Clásica

Avanzamos en nuestra serie de cinco emisiones dedicadas a celebrar la aparición de “Ólobo”, un volumen de excepcional importancia en el ámbito editorial vinculado al arte sonoro y las músicas experimentales. Con el artista, investigador y profesor José Antonio Sarmiento como artífice, esta gruesa publicación compila en formato libro todos los contenidos aparecidos originalmente en la revista digital de arte sonoro del mismo título, que a partir del año 2000 se dedicó a estudiar el trabajo experimental de artistas que trabajan con la voz, el ruido, la acción musical o el radioarte, entre otras muchas posibilidades. Cada programa de esta serie radiofónica glosará los contenidos de uno de los cinco números de la revista reunidos en el libro que presentamos.

Este volumen, ya disponible en librerías, ha sido recientemente publicado por la Universidad de Castilla – La Mancha, concretamente a través de su prestigioso Centro de Creación Experimental, vinculado a la Facultad de Bellas Artes (ubicada en la ciudad de Cuenca) y dirigido por José Antonio Sarmiento, que ha desempeñado allí desde hace décadas una fundamental labor magistral.

El tercero de los números de la revista “Ólobo” (aparecido originalmente en el año 2002) contiene los textos titulados: “4'33", 0'00": Variaciones sobre una acción disciplinada”, de William Fetterman; “La clase de Cage”, de Joseph Jacobs; “Las formas del silencio”, de Carmen Pardo Salgado; varios artículos sobre “John Cage en los Encuentros de Pamplona”, compilados y comentados por José Antonio Sarmiento y unas páginas sobre los “Conciertos para apagar” del artista conocido como Tres.

En esta emisión leemos algunos extractos de esos textos, que escuchamos junto a una serie de audiciones vinculadas a ellos: “Variations II” (en arreglo para violín y armónica de cristal), “Eight Whiskus”, “Music For Two” y “Ryoanji” (en arreglo para violín y percusión), todas ellas compuestas por John Cage, e interpretadas por Malcolm Goldstein (violín) y Matthias Kaul (percusión).

En el inicio de cada uno de los programas de esta serie escuchamos, además, una versión del poema fonético “Karawane”, compuesto por el dadaísta Hugo Ball en 1916 y presentado en el contexto del Cabaret Voltaire. Ese poema incluye una palabra sin significado (o con todos los significados), “ólobo”, que José Antonio Sarmiento escogió para dar nombre a esta revista/libro. En este tercer episodio de nuestra serie, la interpretación de “Karawane” que escuchamos al inicio corresponde a Christian Bök.

Ars sonora - Revista "Ólobo" II - 20/03/21

por Radio Clásica

Continuamos nuestra serie de cinco emisiones dedicadas a celebrar la aparición de “Ólobo”, un volumen de excepcional importancia en el ámbito editorial vinculado al arte sonoro y las músicas experimentales. Con el artista, investigador y profesor José Antonio Sarmiento como artífice, esta gruesa publicación compila en formato libro todos los contenidos aparecidos originalmente en la revista digital del mismo título que, a partir del año 2000, se dedicó a estudiar la labor experimental de artistas que trabajan con la voz, el ruido, la acción musical o el radioarte, entre otras muchas posibilidades. Cada programa de esta serie radiofónica glosará los contenidos de uno de los cinco números de la revista reunidos en el libro que presentamos.

Este volumen, ya disponible en librerías, ha sido recientemente publicado por la Universidad de Castilla – La Mancha, concretamente a través de su prestigioso Centro de Creación Experimental, vinculado a la Facultad de Bellas Artes (ubicada en la ciudad de Cuenca) y dirigido por José Antonio Sarmiento, que ha desempeñado allí desde hace décadas una fundamental labor magistral.

El segundo de los números de la revista “Ólobo” (aparecido originalmente en el año 2001) contiene el texto “Ofelia y las palabras (comentarios a los trabajos de grabación de la obra)”, de Isidoro Valcárcel Medina; “Críticas a una velada ultraísta”, del propio José Antonio Sarmiento; “Esbozo de partitura para una excéntrica mecánica [síntesis de forma, movimiento, sonido, luz (color) y olor]”, de Laszlo Moholy-Nagy; “Walter Marchetti: Una amistad”, de José Luis Castillejo y “Reunión: John Cage, Marcel Duchamp, música electrónica y ajedrez”, de Lowell Cross.

En esta emisión leemos algunos extractos de esos textos, que escuchamos junto a una serie de audiciones vinculadas a ellos: “Music for Duchamp”, de John Cage; “Ophelia and the Words” (y la versión en español de esta obra, “Ofelia y las palabras”), de Gerhard Rühm y Klaus Schöning; “Extended Modulator”, una improvisación dirigida por Lucio Capece; “Nei Mari del Sud”, de Walter Marchetti.

En el inicio de cada uno de los programas de esta serie escuchamos, además, una versión del poema fonético “Karawane”, compuesto por el dadaísta Hugo Ball en 1916 y presentado en el contexto del Cabaret Voltaire. Ese poema incluye una palabra sin significado (o con todos los significados), “ólobo”, que José Antonio Sarmiento escogió para dar nombre a esta revista/libro. En este segundo episodio de nuestra serie, la interpretación de “Karawane” que escuchamos al inicio corresponde a Marie Osmond.
 

Ars sonora - Revista "Ólobo" I - 13/03/21

por Radio Clásica

Iniciamos una serie de cinco emisiones dedicadas a celebrar la aparición de “Ólobo”, un volumen de excepcional importancia en el ámbito editorial vinculado al arte sonoro y las músicas experimentales. Con el artista, investigador y profesor José Antonio Sarmiento como artífice, esta gruesa publicación compila en formato libro todos los contenidos aparecidos originalmente en la revista digital del mismo título que, a partir del año 2000, se dedicó a estudiar la labor experimental de artistas que trabajan con la voz, el ruido, la acción musical o el radioarte, entre otras muchas posibilidades. Cada programa de esta serie radiofónica glosará los contenidos de uno de los cinco números de la revista reunidos en el libro que presentamos.

Este volumen, ya disponible en librerías, ha sido recientemente publicado por la Universidad de Castilla – La Mancha, concretamente a través de su prestigioso Centro de Creación Experimental, vinculado a la Facultad de Bellas Artes (ubicada en la ciudad de Cuenca) y dirigido por José Antonio Sarmiento, que ha desempeñado allí desde hace décadas una fundamental labor magistral.

El primero de los números de la revista “Ólobo” (aparecido originalmente en el año 2000) contiene una miscelánea de textos de Llorenç Barber, así como el artículo titulado “El arte radiofónico como expansión del lenguaje radiofónico”, de José Iges. Incluye también un estudio de Rogelio Pereira acerca de Avatar (Pierre Arcand, Jocelyn Robert y Christof Migone), la intervención artística del colectivo Bravido y, para concluir, el inspirador texto titulado “Música Fluxus: El acontecimiento cotidiano”, de René Block.

En esta emisión leemos algunos extractos de esos textos, que escuchamos junto a una serie de audiciones vinculadas a ellos: “Bells 9”, de Llorenç̧ Barber; “Ludus Ecuatorialis”, de José Iges y Ricardo Bellés; “La ciudad del agua”, de José Iges y Concha Jerez; e “In Memoriam George Maciunas”, de Joseph Beuys y Nam June Paik.

En el inicio de cada uno de los programas de esta serie escuchamos, además, una versión del poema fonético “Karawane”, compuesto por el dadaísta Hugo Ball en 1916 y presentado en el contexto del Cabaret Voltaire. Ese poema incluye una palabra sin significado (o con todos los significados), “ólobo”, que José Antonio Sarmiento escogió para dar nombre a esta revista/libro. En este primer episodio de nuestra serie, la interpretación de “Karawane” que escuchamos al inicio corresponde al Trío Exvoco.

Ars sonora - Álvaro Martínez León en Medialab-Prado - 06/03/21

por Radio Clásica

Dedicamos monográficamente esta emisión de Ars Sonora a Álvaro Martínez León, compositor, director de orquesta y performer formado en Madrid, París y Lugano. Diplomado en guitarra clásica por el Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial, Martínez León comenzó su vida profesional en el contexto de las músicas del mundo como cantante, guitarrista, compositor y director, actuando por toda la Península Ibérica. Desde 2004 reside en Francia, donde siguió las clases de análisis de Michaël Lévinas y también estudió composición y análisis con Mario Mary, orquestación con Guillaume Connesson y composición con Philippe Leroux, obteniendo al final de sus estudios el primer premio por unanimidad, con felicitación del jurado.

Además de la música de Álvaro Martínez León, en esta edición de Ars Sonora tendremos también la oportunidad de escuchar su voz, a través de una conversación que compartimos con el compositor con motivo de una reciente visita suya a Madrid motivada por su participación en el taller titulado "Música, lenguaje y otras tecnologías de la voz", que se celebró en Medialab-Prado pocos días antes de la triste y desafortunada clausura de este importante centro de producción artística dependiente del Ayuntamiento de Madrid.

Una selección de composiciones —más bien, fragmentos de éstas— de Martínez León jalonan nuestro diálogo: partimos de los trabajos fonéticos de "Le voisin d'en face" y "Darwin Innamorato" (que explora también la comunicación animal), para desde ahí abordar los planteamientos ruidistas de "WSL" y las exploraciones del ritual concertístico en "La rutina de lo invisible". Concluimos con un fragmento de su próximo trabajo —aún en proceso de composición— dentro del ámbito del teatro musical: "L'Aimée", que nos propone una descripción del mundo en el que podríamos haber vivido si hubiéramos evolucionado de los bonobos, en lugar de los chimpancés.

Ars sonora - Ellen Fullman (II) - 27/02/21

por Radio Clásica

Culminamos nuestro doble monográfico dedicado a Ellen Fullman, una compositora, creadora de instrumentos e intérprete nacida en Memphis, Tennessee -Estados Unidos-, en 1957. Fullman realizó estudios de Escultura en el Instituto de Arte de la Universidad de Kansas. Allí se despertó su interés por la exploración de los cuerpos resonantes, de manera que su aproximación a la creación sonora no procede tanto de una formación musical como de la consciencia material y, sobre todo, espacial del sonido. Después de trasladarse -a principios de los años ochenta del pasado siglo- al barrio de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York, la artista comenzó a desarrollar su "Long String Instrument" (que podemos traducir como "Instrumento de la cuerda larga" o "de las largas cuerdas"). Éste, que viene protagonizando con sus características sonoridades estas dos ediciones de Ars Sonora, consiste en un conjunto de cuerdas, hilos o cables metálicos de larga extensión (en ocasiones superior a los veinte metros -como es el caso de la primera obra que presentamos en este programa-), cuya resonancia se activa mediante la intervención de uno o más intérpretes.

Se ha comparado la experiencia de escucha de este instrumento con la posibilidad de ubicarse en el interior de la caja de un gran piano de cola. Este cambio respecto a la escala habitual de los instrumentos musicales también se manifiesta, en cierto modo, en el plano temporal: el lento despertar de los diferentes armónicos (que no solamente surgen de las intervenciones de los intérpretes, sino que a menudo aparecen también -de manera algo imprevisible- como resultado de las vibraciones por simpatía que unas cuerdas generan en otras) propicia procesos de escucha muy prolongados en el tiempo. Ello fomenta una actitud en los oyentes muy próxima a la meditación, y de hecho la evolución artística y personal de Fullman se enriqueció enormemente a través de su relación con Pauline Oliveros (1932-2016), y en particular de su aproximación a las técnicas de "Escucha profunda" ("Deep Listening").

La composición que preside la segunda parte de esta emisión, y por tanto el final de este doble monográfico de Ars Sonora, refleja de manera profunda la complicidad entre las dos artistas mencionadas: en "TexasTravelTexture", de Fullman, participan como intérpretes del "Instrumento de las largas cuerdas" Elise Gould y Nigel Jacobs, además de la autora, y a ellos se unen los miembros de la "Deep Listening Band": la propia Pauline Oliveros (acordeón, conchas, voces y electrónica), Stuart Dempster (trombón, diyeridú, concha, manguera, voz y electrónica) y David Gamper (flauta -en armónicos-, ocarina, voz, electrónica, y ocasionalmente también el "Instrumento de las largas cuerdas").

Otras colaboraciones, además de ésta con Oliveros, han sido igualmente determinantes en el desarrollo creativo de Ellen Fullman y de las posibilidades del "Instrumento de las largas cuerdas". En la primera parte de esta emisión presentamos la labor interpretativa de Jake Botkin, Metis Policano y Danièle Massie, a quienes escuchamos recorrer y activar junto a Fullman el instrumento de las largas cuerdas en la igualmente extensa obra "Work for 4", de 1987. Esta composición nos llega a través de un registro efectuado en la Republic Plaza de Austin -Texas- y editado en 1993 por Xi Records, el sello impulsado por el artista Phil Niblock desde la Experimental Intermedia Foundation.

"Work for 4" y "TexasTravelTexture": dos obras de Ellen Fullman y dos viajes hacia la interioridad del sonido que de nuevo nos invitan a aproximarnos a la música como si fuera una escultura, y a la escultura como si fuera música.

Ars Sonora - Ellen Fullman (I) - 20/02/21

por Radio Clásica

Iniciamos un doble monográfico dedicado a Ellen Fullman, compositora, creadora de instrumentos e intérprete nacida en Memphis, Tennessee -Estados Unidos-, en 1957. Fullman realizó estudios de Escultura en el Instituto de Arte de la Universidad de Kansas. Allí se despertó su interés por la exploración de los cuerpos resonantes, de manera que su aproximación a la creación sonora no procede tanto de una formación musical como de la consciencia material y, sobre todo, espacial del sonido. Después de trasladarse -a principios de los años ochenta del pasado siglo- al barrio de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York, la artista comenzó a desarrollar su "Long String Instrument" (que podemos traducir como "Instrumento de la cuerda larga" o "de las largas cuerdas"). Éste, cuya sonoridad devendrá protagonista tanto en esta edición de Ars Sonora como en la de la próxima semana, consiste en un conjunto de cuerdas, hilos o cables metálicos de larga extensión (en ocasiones superior a los veinte metros), cuya resonancia se activa mediante la intervención de uno o más intérpretes.

Se ha comparado la experiencia de escucha de este instrumento con la posibilidad de ubicarse en el interior de la caja de un gran piano de cola. Este cambio respecto a la escala habitual de los instrumentos musicales también se manifiesta, en cierto modo, en el plano temporal: el lento despertar de los diferentes armónicos (que no solamente surgen de las intervenciones de los intérpretes, sino que a menudo aparecen también -de manera algo imprevisible- como resultado de las vibraciones por simpatía que unas cuerdas generan en otras) propicia procesos de escucha muy prolongados en el tiempo. Ello fomenta una actitud en los oyentes muy próxima a la meditación, y de hecho la evolución artística y personal de Fullman se enriqueció enormemente a través de su relación con Pauline Oliveros (1932-2016), y en particular de su aproximación a las técnicas de "Escucha profunda" ("Deep Listening").

Otras colaboraciones, además de ésta con Oliveros, han sido igualmente determinantes en el desarrollo creativo de Ellen Fullman y de las posibilidades del "Instrumento de las largas cuerdas". En esta emisión repasamos las respectivas trayectorias de artistas (además de performers y activistas) como Scott Lehman y Danièle Massie, a quienes escuchamos interpretar junto a Fullman piezas como "Bass Song", "Over and Under", "Space Between" y "Body Music", todas ellas concebidas en el año 1992. Las presentamos en un registro efectuado en la Candy Factory de Austin -Texas- que en 1993 fue editado por Xi Records, el sello impulsado por el artista Phil Niblock desde la Experimental Intermedia Foundation).

Complementamos estas audiciones con un extracto de "Staggered Stasis", otra obra fundamental en el catálogo de Fullman (procedente también de su etapa, a finales de los años ochenta, en la ciudad tejana de Austin), que de nuevo nos sumerge en el interior del sonido y nos invita a aproximarnos a la música como si fuera una escultura, y a la escultura como si fuera música.

Ars sonora - "ENIAC Girls", de Udo Moll - 13/02/21

por Radio Clásica

"ENIAC Girls" —una obra que quizá podría haberse titulado, con más precisión, "ENIAC Women"— es la creación radiofónica que presentamos íntegramente en esta edición de Ars Sonora. Se trata de un trabajo del trompetista, compositor, investigador y artista sonoro Udo Moll, nacido en 1966 en el sur de Alemania, pero radicado en Colonia. En la Musikhochschule de esta ciudad alemana estudió trompeta (en el ámbito del jazz) con Manfred Schoof y composición con Johannes Fritsch. Sus investigaciones más recientes se centran en el uso del ordenador y el sintetizador modular como instrumentos musicales expresivos para la interpretación y la improvisación.

El ENIAC (acrónimo de "Electronic Numerical Integrator And Computer" —"Computador e Integrador Numérico Electrónico"—) fue la primera máquina de computación universal totalmente electrónica basada en válvulas. Cuando esta máquina se presentó al público en 1946, seis mujeres (estudiantes de Matemáticas del medio oeste rural de los Estados Unidos en su mayoría) habían pasado tres años desarrollando el método de programación de este ordenador pionero. Estas mujeres nunca obtuvieron ningún reconocimiento; más bien fueron invisibilizadas, por lo que su trabajo quedó en el olvido durante décadas.

Udo Moll, inspirado por este relato, ha basado su último trabajo en la historia de estas "chicas" (expresión que no parece demasiado afortunada) del ENIAC. Desde 2015, año en el que Moll comenzó a trabajar sobre esta historia, se han presentado diferentes versiones de esta pieza, que van desde la electrónica en solitario hasta el conjunto instrumental, pasando por la obra radiofónica que aquí presentamos. Ésta fue producida por Deutschlandfunk Kultur y obtuvo el premio especial del jurado en el Prix Marulic de la radiotelevisión croata (HRT). La pieza, recientemente ha sido editada (junto a la versión para conjunto instrumental) por el prestigioso sello World Edition —dirigido por la compositora María de Alvear—, combina grabaciones procedentes de ordenadores históricos, percusiones, sintetizadores modulares, órganos Hammond y, destacadamente, entrevistas sobre la historia real de las mujeres vinculadas al ENIAC.

Ars sonora - Eduardo Polonio, ochenta años (V) - 06/02/21

por Radio Clásica

Culminamos, con esta edición de Ars Sonora, la celebración que hemos venido festejando durante las cuatro últimas semanas: el octogésimo cumpleaños de la figura más destacada en el panorama de la composición musical electroacústica en España, Eduardo Polonio (nacido el 5 de enero de 1941 en Madrid, si bien ha residido durante largas etapas de su vida en Barcelona, y desde hace ya dos décadas lo hace en Valverde del Camino, provincia de Huelva).

Polonio es, históricamente, el primer autor español cuya obra manifiesta un compromiso claro e íntegro con la música electrónica, alejándose voluntariamente de la composición con instrumentos acústicos tradicionales para centrarse en las posibilidades creativas de la electroacústica. Desde la perspectiva actual, el valor de una decisión artística como la suya merece los máximos reconocimientos, y por ello nos sigue extrañando que, aún en el año 2021, Eduardo Polonio no haya recibido el Premio Nacional de Música, o que por ejemplo no sea aún uno de los miembros de la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En este tramo final de nuestro homenaje al maestro Polonio, continuamos recordando algunos trabajos fechados en torno al año 1970, tan determinante en la carrera del músico y, por extensión, en la historia de la música electroacústica de nuestro país. Retomando el hilo iniciado en el programa de la semana pasada, escuchamos otras dos composiciones que el compositor realizó en colaboración con el cineasta experimental Javier Aguirre. Extendemos así nuestro recuerdo a otra figura pionera, que desgraciadamente en este caso ya nos abandonó, en 2019, con 84 años, solamente unos pocos días después de que la Academia del Cine le honrara con la Medalla de Oro. Javier Aguirre, una de las figuras precursoras y más destacadas en la historia del cine experimental en España, estudió en la Escuela Oficial de Cinematografía mientras escribía crítica en revistas, y empezó como ayudante de dirección a finales de los años cincuenta del pasado siglo. Debutó como director en 1961 con dos cortos documentales, "Tiempo de playa" y "Pasajes tres (lo viejo, lo nuevo y más)", este último acreedor de la Concha de Oro al mejor corto en el Festival de San Sebastián. Nosotros escuchamos, en el inicio de esta emisión, los sonidos de la película "CHE CHE CHE", estrenada en 1971, con guion de Javier Aguirre, que para este proyecto también recabó la participación de figuras como Henri Chopin, Sten Hanson, José Agustín Goytisolo, Patxi Andión, Peter Weiss, Leo Ferré, Adolfo Marsillach y, por supuesto, Eduardo Polonio. Como parte de este mismo proceso colaborativo, ya en 1970 se había estrenado otra película (en la que Javier Aguirre llevaba trabajando, por lo demás, desde 1967), titulada “Impulsos ópticos en progresión geométrica”. En ella se presentan textos de Teilhard de Chardin mediante una locución que de nuevo corresponde a Adolfo Marsillach, cuya voz suena junto a la música de Eduardo Polonio.

Sin abandonar ese umbral temporal que inauguró la antepenúltima década del pasado siglo, seguidamente escuchamos otras dos obras ya ajenas a cualquier dispositivo visual: "El reclinatorio en el tejado de la lejana abadía", fechada en 1971, y "Continuo", de 1970, que mantiene el carácter minimalista propio de la música de Polonio en esos años.

Pero no queríamos terminar esta emisión, ni por tanto esta serie de programas en homenaje a Eduardo Polonio en su ochenta aniversario, sin dar cuenta de la extrema vitalidad compositiva de la que afortunadamente sigue gozando nuestro querido compositor. Ello quedó particularmente demostrado en un reciente encargo de esta casa, Radio Clásica, canalizado a través de Ars Sonora para la "Fiesta de cumpleaños del arte" que las emisoras de radio públicas vinculadas al grupo Ars Acustica de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) festejamos cada año, el 17 de enero. Eduardo Polonio compuso, para la edición de 2021 de esta celebración internacional, la obra “Un día es un día”, que nosotros presentamos íntegramente en el final de este ciclo, recordando aquí las palabras escritas por el propio compositor a modo de notas al programa:

"Hoy diecisiete de enero de dos mil veintiuno. Hace noventa y nueve años Venezuela adopta el sistema métrico decimal; hace ochenta y uno se hiela el Támesis; hace cincuenta y dos The Beatles lanzan Yellow Submarine; hace cuatrocientos veintiuno nace Calderón de la Barca; hace ciento uno entra en vigor en Estados Unidos la Ley seca; hace doscientos treinta y siete se establecen en Madrid los sellos de fecha para las cartas; hace ciento veintidós nace Al Capone; hace ciento nueve Robert Falcon Scott llega al Polo Sur; hace mil seiscientos sesenta y cinco muere San Antonio Abad; hace ochenta y tres se celebra en París la primera exposición internacional del surrealismo. No soy muy dado a celebraciones. Pero, caramba, ¡un día es un día!".

Ars sonora - Eduardo Polonio, ochenta años (IV) - 30/01/21

por Radio Clásica

Dentro del ciclo de cinco programas que celebran —en forma de homenaje— el ochenta cumpleaños de Eduardo Polonio, gran pionero de la música electroacústica en España, ahondamos en algunos de sus trabajos más significativos de entre los realizados al inicio de la década de los años setenta del pasado siglo.

Nacido en Madrid el 5 de enero de 1941, Polonio es el primer autor español que decidió centrarse en la composición con medios electrónicos, dejando a un lado la escritura de música instrumental. Ese temprano compromiso, mantenido firmemente desde que el compositor era veinteañero, ha convertido a Polonio en un referente para numerosas generaciones de músicos, tanto procedentes del ámbito académico como ajenos totalmente a él. El carácter sumamente abierto —pero siempre riguroso y coherente— de sus planteamientos estéticos también ha favorecido que su música haya alcanzado por igual a los devotos del minimalismo —numerosos coleccionistas pugnan por conseguir ejemplares en vinilo de sus discos de los años setenta— y a los jurados de los concursos internacionales más exigentes y prestigiosos —Polonio es, por ejemplo, uno de los selectos compositores galardonados con el premio Magisterium en el Festival de Bourges—.

En este cuarto episodio continuamos indagando en trabajos como "It / Viaje", que nos servirá tanto para abrir como cerrar esta emisión, y que reúne a nuestro homenajeado con el argentino —aunque radicado en Francia desde hace años— Horacio Vaggione. Juntos conformaron el dúo Música Electrónica Libre, haciendo un psicodélico uso de sintetizadores, órganos y guitarras y bajos eléctricos. El citado elepé, editado en 1972, recoge sonidos similares a los que estos autores presentaron conjuntamente en un concierto enmarcado en los ya míticos Encuentros de Pamplona.

Tras esta audición retrocedemos en el tiempo hasta 1970, momento en el que Polonio, en otra manifestación de sus siempre fértiles colaboraciones artísticas, compuso la banda sonora para la película de Javier Aguirre “Fluctuaciones entrópicas”, que escuchamos en lo que también aspira a ser un homenaje al llorado Javier Aguirre, que desgraciadamente nos abandonó en 2019, con 84 años, solamente unos pocos días después de que la Academia del Cine le honrara con la Medalla de Oro.

Javier Aguirre fue una de las figuras precursoras y más destacadas en la historia del cine experimental en España. Estudió en la Escuela Oficial de Cinematografía mientras escribía crítica en revistas, y empezó como ayudante de dirección a finales de los años cincuenta del pasado siglo. Debutó como director en 1961 con dos cortos documentales, "Tiempo de playa" y "Pasajes tres (lo viejo, lo nuevo y más)", este último acreedor de la Concha de Oro al mejor corto en el Festival de San Sebastián. "Fluctuaciones entrópicas", película en blanco y negro de unos veinte minutos de duración, no solamente incluye música de Eduardo Polonio, sino también de Julián Llinas-Mascaró, José Luis Téllez, Ángel Luis Ramírez y el antes mencionado Horacio Vaggione.

Retornando, al final del programa, a un fragmento conclusivo de "It / Viaje", completamos esta cuarta incursión en la obra de Eduardo Polonio, que intenta presentar algunos relámpagos de una obra inmensa y siempre fascinante.